Thursday, July 9, 2009

El Sson de Mildred

"SABROSO" (2009)




"El Alma de la Rumba"


Belu Music

El Sson de Mildred Fundado en 1990 por los hermanos Mildred e Ivar Herrera (en la voz y percusion, respectivamente) y Rogelio Guisao (tres cubano), El Sson de Mildred ha cautivado públicos en toda Colombia desde su comienzo en la ciudad de Medellín. La música del grupo refleja directamente el legado cultural de sus miembros, explorando y combinando estilos desde la cumbia, vallenato y chandé de Colombia con el son, bolero y guaguancó cubanos. A lo largo de su trayecto, El Sson de Mildred no solamente ha sido una ficha fija en la vida cultural de la capital de la montaña, sino que también ha servido como escuela musical para muchos jóvenes músicos colombianos. Algunos de éstos han conseguido tocar con artistas del calibre de Juanes y Diego Galé. Bajo la producción de Felipe Alzate y Alberto López ( con créditos incluyendo a Juanes, Rubén Blades, Celia Cruz y Lee Ritenour entre muchos otros), El Sson de Mildred ha combinado la experiencia y madureza de sus tres líderes con la chispa de algunos de los mejores jóvenes músicos de Medellín y Los Angeles (Estados Unidos), algunos de los cuales actualmente tocan con artistas del calibre de Fanilú, Stevie Wonder y Macy Gray. Los toques finales han sido administrados por Joel Soyffer, ingeniero de sonido ganador de varios premios Grammy y Emmy. El resultado es un son que mezcla la tradición de ayer con la indomable energía de hoy en una fusión que podrá ser disfrutada por todas las generaciones.



Tracks

Estoy Cansada
Amor Lascivo
Ana
Los Musicos
Chupa El Tabaco
Esperare
Sale El Sol
El Alma de la Rumba
Beso Discreto
Prende la Candela


Integrantes

Mildred Herrera: vocales
Rogelio Guisao: tres
Ivar Herrera: percusión
Andres "Mecato" Aguirre: bajo
Julián Zapata: timbales
Pablo Valencia: trombón
Pablo Dominguez: arreglo
Pipe Alzate: percusión y arreglo


visita a el Sson de Mildred en la web

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Wednesday, July 8, 2009

Principe y Su Sexteto

"PRINCIPE Y SU SEXTETO"




"Analiza"


Antonio Ramón Hernández Príncipe, es un hombre con poca resonancia fuera de su entorno íntimo. Sin embargo, es el apelativo de uno de los más refulgentes músicos populares y de mayor entidad cuando la expresión bailable buscaba sus propios derroteros a finales de la década de los sesenta y comienzo de los setenta. Era la época del asentamiento definitivo de la salsa como género, tiempo de las grandes orquestas y de los modestos sextetos, de magnifica sonoridad y presencia, lograda a base de calidad de los integrantes. El sexteto de Joe Cuba, El sexteto Ambaé, El sexteto Yurbistein, El Sexteto Juventud y la Organización liderada por nuestro amigo, Príncipe y su Sexteto.

Príncipe viene del Estado Portuguesa, nació en Guanare el 9 de Enero de 1948, aún infante, su familia se traslada a Caracas y se asientan en la populosa Parroquia de Caricuao. Allí hizo su escolaridad y se familiarizó con los sonidos que lo conducirían más tarde por los senderos de la música. Es en 1967 cuando asume el apellido materno, quizá, por las dos vertientes que presenta: por una parte la condición filial y por otra la relación, fácilmente aprovechable por el medio publicitario para efectos de mercado y presenta su agrupación musical como Príncipe y su sexteto.

Príncipe con su tumbadora armó un trabuco con José de los Santos Rada (Kiko), excelente vocalista y compositor, Carlos Kírico como bolerista y primera voz en los coros, Jesús Cordero (Pillí) al bajo, Reinaldo Azocar como timbalero, en el bongo Enrique Ruiz y la guitarra de Chelino Agüero, ensayaron, montaron repertorio y comenzaron las presentaciones. Para 1968 sacan su primer trabajo discográfico un sencillo con Salsa de Guaguanco, inspiración de Príncipe y el respaldo con un tema de Kiko, "Violeta". De este trabajo, en tiempo record, vende mas de cien mil copias y gana su Primer disco de Oro que recibe de manos del cómico Joselo en acto celebrado en el canal 8 de televisión. Príncipe y su Sexteto se catapulta y ya los limites de la patria le quedan estrechos. Veintisiete países presentan su más prestigiosos escenarios para presentar el grupo venezolano que incluso ganó la hazaña de pasar al continente Europeo y presentar su música y su espectáculo en España. La primera vez que una agrupación de música popular bailable venezolana logró el gran salto fue Príncipe y Su Sexteto.

leer mas en Asocosalsa


Tracks

A Chango y a Yemaya
Analiza
Vive y Gozon
Suave y Retozon
Amigo Que
Solo Con Las Estrellas
Mil Cosas
San de Manique
Ven Sonero
Mala Gente
En Una Noche Tibia
Caprichosa


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Solar Latin Club presente:


HOY EL SOLAR LATIN CLUB COLOCA LA MUSICA PARA LOS GAITEROS DE SAN JACINTO EN STUTTGART, ALEMANIA.


CON DJ YAMBU

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&

PARA EL CONCIERTO DEL 29.07.09 EDDIE PALMIERI CELEBRANDO SUS 50 ANOS
DE CARRERA ARTISTICA CON SUS 9 GRAMMYS "SOLAR LATIN CLUB" FUE INVITADO
A PARTECIPAR AL EVENTO.

DJ YAMBU ESTARA PRESENTE CON TODOS LOS HIERROS.

DJ YAMBU


www.zapata.de

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Tuesday, July 7, 2009

Francisco Peña y La Banda

"Y TU QUERIAS SALSA" (2009)




"Tambo Pa´Bailar"


Walboomers Records

regresa Francisco Peña con su segunda producción discografica como solista titulada y tu querias Salsa ?.

Biografia

Trompetista, arreglista y compositor.

Nació el 21 de septiembre de 1963 en Buenaventura, una pequeña isla en la costa occidental de Colombia. Allí se inició al lado de su padre, tambien trompetista y tocando con los mejores músicos de la época.Luego de unos años de experiencia en la musica popular ingresa a la Facultad de Música de la UNIVERSIDAD DEL VALLE donde recibe el titulo de Licenciado en Musica con enfasis en Trompeta, en este época de estudiante se destaca como trompeta solista de la 'BIG BAND JAZZ' de la UV.Durante este periodo realiza diferentes seminarios con músicos como Juan Monguia trompetista de la orquesta 'IRAKERE' de Cuba, Adalberto Alvarez (Seminario acerca del Son cubano), El CUARTETO DE BRONCES DE LENINGRADO, armonia, instrumentación y dirección musical con el director colombiano Carlos Montoya, y composición de la música popular por el maestro Francisco Zumaque.Al mismo tiempo forma parte de las agrupaciones mas nombradas y pilares fundamentales en el genero de la salsa en Colombia a finales de los años 80's y comienzo de los 90's, como fueron:

* 'INTEGRACION PORTEÑA' donde se destacó como trompetista y arreglista
* ALVARO DEL CASTILLO Y SU ORQUESTA 'LA CALENTURA' ex-vocalista del Grupo Niche
* HERMES MANYOMA Y SU ORQUESTA 'LA LEY' agrupacion con la que realiza giras a EE UU, Canada, Ecuador
* 'PEREGOYO Y SU COMBO' la orquesta de más tradición del Pacífico Colombiano, con quien realiza una gira por Francia llevando el folclor de su pais
* 'ORQUESTA PACIFIC'S SONS' en sus dos producciones como trompetista y arreglista.
* 'ORQUESTA GUAYACAN' con quien realiza un tour de seis meses por Colombia.

Forma parte entonces del grupo 'BAHIA', agrupación experimental y de fusión de música folclórica y participa en el 'ROOTS FESTIVAL OF CHICAGO' y en la 'EXPO-HANNOVER 2000' en Alemania.A finales de 1994 organiza en compañia de un amigo compositor su primera agrupación que llamo Orquesta 'LA FUGA' con la cual tuvo gran reconocimiento en la radio por sus dos trabajos discográficos. Ya en 1999 se dedica a la investigación de las raices negras en la musica de latino-america, entonces crea la orquesta 'FP LA EXPRESIVA' (Salsa, folclor y latin-jazz) y participa en el 'II FESTIVAL DE MUSICA FOLCLORICA DEL PACIFICO' recibiendo gran reconocimiento de la crítica musical por sus composiciones.En Holanda desde el año 2000 se destaca trabajando como arreglista, trompetista y productor de sus propios proyectos. Asi como trompetista, arreglista y coros de 'GERALD & LA RITMICA', la orquesta de fusión afro-venezolana Marco Toro y su 'TORO ENSAMBLE', arreglista en producciones de GERARDO ROSALES, así como arreglista de 'MAREJADA' y 'GRUPO MANGO' de Paris.

A partir del 2007 inicia su sueño mas ambicioso, FP MUSIC PRODUCTIONS, con la idea de producir su propia musica, de artistas independientes y promocionar la musica de su region.

Su meta es iniciar y participar diferentes proyectos siempre impulsando la musica latina en Holanda y Europa.

ver reseña del trabajo anterior de Francisco Peña


Tracks

Salsa De Guerra
No Insistas Mas
Dana Giselle
Tambo Pa' Bailar
No Paren La Rumba
Traigo Un Son
La Banda
Ahora Gozo Yo
Baila La Salsa
Amsterdanser Boogaloo
Esto Es Lo Que Hay
Latin Heart


Integrantes

Francisco Peña: lider, trompeta y fliscorno
Jose Perez: saxofon alto y baritono
Matthias Konrad: trombon
Barbara Rana: piano
Albert Ramos: bajo
Marco Toro: timbal, congas, bongo y bateria
Jose Cerezo: congas, bongo y timbal
Adriann Correa: bongo
Carlos "Cheo" Arizala: vocales
Hernando "Nando" Vanin: vocales
La Baby & Jewah: rap
Alberto Caicedo: coro


Invitados

Otto Palma Peña: saxofon baritono
Leon Van Mil: saxofon baritono
Dominic Brackeva: trombon
Richard Stella: trombon
Randy Winterdal: bajo
Harvey Van Toll, Ulrich De Jesús: guitarra electrica
Leo Martis: tres
Marcos Goemz, Mauricio Toledo Charrasca, Miguel Padrón: piano


visita a Francisco Peña en la web

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Bobby y Cano: el dinero pesó más


22-Jun-2009

Cano Estremera alega que recibió en su hogar a Bobby Valentín y que conversaron durante poco más de tres horas sobre su reencuentro en un concierto y la producción de un disco.

La negociación, según alega Cano, colapsó cuando días después el promotor Pepe Dueño mejoró sustancialmente la oferta que el productor César Sainz le presentó a los intérpretes de "La boda de ella".

Bobby ha declinado reaccionar a la controversia y Cano se ha reiterado en que si no es con Sainz las colaboraciones no serán posibles.

Parece, con el respeto que se merecen ambos, un cuento ya leído que reconfirma que, lamentablemente, el dinero es más importante que la deferencia que merece el pueblo que los catapultó a la cima de la popularidad comprando los discos y desbordando los salones de baile donde durante casi ocho años interpretaron los éxitos "El muñeco de la ciudad", "Canta mi gallo", "Manuel García", "Si me caso mejoro", "La mujer y la primavera", "El gato", "El compromiso", "La novia automática", "La gringa" y otros.

Un cuento leído, en que el dinero pesó más, como ha sucedido con las diferencias que ahora mismo mantienen distanciados a Willie Colón y Rubén Blades y con las discrepancias entre Papo Lucca con los ex cantantes de la Sonora Ponceña, Yolanda Rivera y Luigi Texidor.

En este caso, no sé por cuántos miles de dólares más, Bobby y Cano han desaprovechado la oportunidad de revitalizar la salsa con un evento que desean los melómanos de Puerto Rico, Perú, Colombia, Venezuela y Panamá.

A largo plazo, indiscutiblemente, hubiesen desembolsado un dineral, en una época de recesión en la economía a nivel mundial.

El destino, tal vez las circunstancias de la salsa en Puerto Rico, propició la oportunidad de reescribir su historia y reivindicar errores del pasado, como la triste suerte -por las razones que sean- que corrió el Cano al lanzar su primer cd "El Niño de Oro"; el malestar que causó en Cano el disco con aplausos enlatados que Valentín lanzó después del concierto que les produjo Rafo Muñiz y lo ofendido que Bobby se ha sentido con sus palabras.

http://www.elnuevodia.com/blog/583900/

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La manía de bailar con Tito Puente

By ELIEZER RIVERA

Especial/El Nuevo Herald

'DANCE MANIA', EL DISCO DEL TIMBALERO BORICUA QUE CAMBIO LA HISTORIA DE LA MUSICA LATINA, VUELVE A GIRAR Y EN EDICION DE LUJO

Medio siglo después de su lanzamiento original en 1958, Dance Mania, el disco más importante de Tito Puente, sigue siendo un producto musical incomparable dentro de la música latina.

Cada cierto tiempo, este álbum --el más conocido y el que más copias ha vendido de Puente-- es relanzado al mercado, dándole la oportunidad a esos amantes de la buena música que todavía no lo tienen en su colección, de poder obtenerlo. Esta vez, Legacy Recording, compañía perteneciente a Sony, presenta un paquete con históricas fotos e información de Puente, un CD con las 12 canciones originales y otro disco con las canciones de Dance Mania Vol. 2, secuela del primero, que fue grabado en 1960. Además, cada copia trae varios tracks de otros discos del rey de la música latina.

A mediados de los años 50, Puente era, junto a Tito Rodríguez y Machito, una de las estrellas que regularmente actuaban en el Palladium, club nocturno neoyorquino conocido como la Casa del Mambo. El mambo era un ritmo que durante esa época se estaba haciendo muy popular, no sólo en la música latina, sino que también era incluido en el repertorio de grandes artistas norteamericanos de ese tiempo.

El mambo que tocaba Puente, era según críticos de la época, música mercadeada con ese nombre pero que distaba mucho de serlo. Y tienen su punto. La música de Puente, sus composiciones y arreglos musicales, eran extraordinarios y complicados, donde aparecía el mambo, de una manera más elaborada, más comercial, dentro de una fusión que incluía además otros ritmos como el son, la guaracha, el guaguancó, el jazz y el swing.

El éxito de este disco fue esa combinación de genio con el momento que se vivía. Había fiebre latina en Nueva York y norteamericanos y latinos se reunían en lugares como el mencionado Palladium, a bailar, intercambiar ideas y ritmos. Ahí precisamente Tito Puente comenzó su reinado en la música latina, y aunque Dámaso Pérez Prado es tal vez el artista por el cual el mambo se empieza a conocer a gran escala, fue Tito quien, con su estilo muy particular, llevo el ritmo a otro nivel.

Justamente eso es Dance Mania: retrato musical de una época, disco que absorbió todo un movimiento musical y cultural. La unión de ritmos afrocubanos y afroamericanos, entrelazados coherentemente por Puente en sus arreglos, fue sentando la pauta de lo que sería de ahí en adelante la música latina bailable, y de donde evolucionó luego la salsa. El cayuco, Llegó Miján, Hong Kong Mambo, Saca tu mujer y Estoy siempre junto a ti, son algunas de las canciones inmortales de este disco.

Dance Mania marcó también el inicio en la orquesta de Puente del cantante Santitos Colón, y del maestro de las congas Ray Barreto. Ambos fueron piezas importantes en el éxito del disco, en especial Colón, cuya voz inmortalizó varias canciones de ese LP, incluido el bolero Estoy siempre junto a ti, tema que siguió siendo parte de su repertorio como solista, luego de dejar la banda de Tito en 1969.

El legado de Dance Mania ha sido reconocido en más de una ocasión por medios y entidades importantes. En el 2000, fue escogido por The New Tork Times como uno de los 25 álbumes más significativos del siglo que acababa, siendo el único disco latino en la lista. La compleja creación que es este trabajo musical, su repercusión a nivel mundial y la popularidad que con su éxito le dio a la música latina, hacen que pase a ser un clásico de la música en general y una pieza a tener y preservar como un tesoro.

http://www.elnuevoherald.com/entretenimiento/musica/story/483272.html


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Monday, July 6, 2009

De la calle Calma al Carnegie Hall (II)

Image

¡Oye como va!
Irvin García/Especial para En Rojo


De Las Tumbas quiero irme
No sé cuando pasará
Las tumbas son pa’ los muertos
De muerto no tengo ná’

Bobby Capó El año 1962 marcó de golpe una etapa en la vida de El Sonero Mayor, Ismael Rivera. La espada de la Justicia se encargó de detener el trayecto arrollador y bomplenístico que la Maquinolandera había iniciado en los años ’50. Maelo fue juzgado y sentenciado a cinco años de cárcel, además de ser expatriado a cumplir la sentencia en Lexington, Kentucky USA. Cuannn_do_ó yo saldré, d’esta prisión, que_é me tortura, tortura mi-ra, cruel dolor, si_í sigo aquí, enloqueceré… De más esta decir que el concepto de Cortijo y su Combo con Ismael Rivera se hizo añicos, pero algunos de los músicos del Combo recogieron los pedazos y se los llevaron a Rafael Ithier para que les ayudara a recomponer aquella especie de rompecabezas, que al momento parecía una pesadilla. De la reparación surgió El Gran Combo, iniciando así otra historia gloriosa en nuestra música popular.

De los cinco años que dictaba la sentencia, Maelo cumplió tres con ocho meses. Al regresar a la isla lo reciben familiares, amigos y cientos de admiradores. Ni corto, ni perezoso se empata de nuevo con su compadre Cortijo para reconquistar el terreno perdido. Pero el terreno estaba minado con obstáculos que no tenían que ver nada con la calidad de la música que empezaron a producir. En el horizonte les esperaba un público fiel y admirador del “masacote” que formaba la combinación de Maelo y Cortijo, pero en el medio se interponían sectores poderosos que los seguían juzgando y condenando, a pesar de haber pagado el precio de sus faltas. Contra toda adversidad grabaron dos discos de buena calidad. Uno de ellos arreglado completamente por Tito Puente, donde la mayoría de las canciones son de la autoría de Ismael Rivera. Pero el proyecto no logra superar las barreras y Maelo decide irse a Nueva York a probar mejor suerte. Es en la diáspora boricua que Ismael logra recuperar el sitial de Sonero Mayor.

Durante el tiempo que Ismael Rivera estuvo pagando su deuda con la justicia, más el tiempo en que le pagó los intereses a la sociedad boricua de época, en Nueva York se iba fraguando la comercialización en masa de la música latina bailable que se conoció como “salsa”. Una de las primeras manifestaciones, lo fue el trabajo de Willie Colón con Héctor Lavoe. Lo más que llama la atención de sus primeras grabaciones no es el sonido desafinado de los trombones, ni el aire general de la música aguaguanconada. Ya el formato de trombones y el aire de guanguancó no era novedad, se había escuchado en el concepto de Eddie Palmieri con el sonido de “La Perfecta”. Lo que llamaba la atención de la propuesta de Héctor y Willie lo era, por un lado, la constante referencia musical a los cortes y ritmos de la bomba puertorriqueña, y por otro, el estilo de soneo callejero, picaresco e irreverente que apuntaba, indudablemente, a la escuela fundada por “El Sonero Mayor”. A Héctor y Willie le siguieron orquestas establecidas, de nueva creación, y proyectos disqueros, que luego de convertidos en éxitos se organizaban como grupo musical, todos los cuales vinieron a componer lo que se conoció como el quasi-monopolio de la Fania.

De regreso a la “libre” comunidad Ismael y Cortijo fueron atraídos al guiso que movía la salsa con cucharón de oro. Cuando los compadres deciden ir al campo de batalla comandando cada uno una ofensiva por flancos separados, Cortijo permanece en Puerto Rico y crea proyectos musicales que van del concepto bailable hasta el jazz latino en el album titulado El sueño del maestro. Ninguno de ellos es contratado por Fania, ambos realizan proyectos con el sello Tico, que intentaba hacerle competencia al primero.

En Nueva York Ismael arranca, en asociación con Kako, su segunda etapa como sonero
con un disco titulado Lo último en la avenida. Maelo no era poseedor de una gran voz y menos de una técnica para desarrollarla. Lo que Maelo tenía era una sabiduría callejera para el soneo y un dominio de la clave que le permitía insertar su pregón donde le diera la gana en el tiempo de una canción. La versión de El Cumbanchero, en la grabación antes mencionada, es un buen ejemplo para exigir que se le siguiera llamando El Sonero Mayor.

De ahí Ismael pasa a formar su propia agrupación, Los Cachimbos, la cual conformó con la instrumentación y el sonido del Combo original. La música en el ambiente de ese momento, de aire aguaguanconado, con formato de coro y soneo en el montuno, le proveían un escenario accesible para reinventarse. Quien mejor que Einstein para hablar de la teoría de la relatividad en la comunidad científica. Con los Cachimbos Ismael Rivera se levantó y plantó bandera propia grabando varios discos excelentes que así lo confirman. En estos encontraremos que las composiciones son en su mayoría en primera persona y reflejan una conciencia adquirida en el esfuerzo por la superación personal y profesional. Los temas de esta etapa de Maelo van siempre a solidarizarse con los de su procedencia, los de abajo, allí donde la amistad, el amor, las privaciones, las derrotas, la negritud y la espiritualidad auténtica adquieren una definición propia.

La figura del Mayor de los soneros convoca a los puertorriqueños Bobby Capó y Tite Curet Alonso, y al panameño Henry Williams como compositores solidarios que se inspiraron en su figura para diseñar canciones para Maelo. La presencia del amigo de toda la vida, Sammy Ayala, como ángel guardián, le acompaña todo el trayecto. La dirección musical y arreglos de Javier Vázquez son también una constante. El apoyo en los coros de las voces de Rubén Blades, Adalberto Santiago, Yayo el Indio, Ismael Quintana, Héctor Lavoe y otros, atestiguan el respeto al Maestro. Todo lo esto apuntó a la presentación el 24 de mayo de 1974 en la prestigiosa sala de conciertos de Nueva York, el Carnegie Hall. Allí, el negrito de la calle Calma de Santurce de Cangrejos, coronó su reivindicación.

Cuando Fania adquiere el sello Tico Maelo va a formar parte de las llamadas estrellas de Fania y se convierte en uno de sus gallitos de pelea. Ya para esa época el abuso y la falta de cuido de su voz han hecho estragos en el cantante. De la garganta hubo que extirparle dos pólipos que le dejaron el instrumento con el que se abrió paso de la calle Calma al Carnegie Hall prácticamente en silencio. La muerte del querido cuate de toda la vida, Rafael Cortijo, acaecida en el año 1982, puso un sello final al sonero del pueblo. En mayo de 1987 un grupo de amigos y colegas programan un Magno Concierto para homenajearle en vida. En el mismo Maelo se une en tarima a Cheo Feliciano, Ismael Miranda y Elías Lopéz, entre otras figuras, para cantar: Este es mi nuevo ritmo, se llama oriza… Desde que sonó la primera nota observamos, en un video de Youtube, el esfuerzo que le tomaba cantar una canción que había interpretado cientos de veces, Maelo ya no podía cantar. Días después muere de un ataque al corazón en su casita de la calle Calma. En esa casita sobrevive su legado y su historia. En esa casita se cobija el esfuerzo de su familia por mantener La Fundación Ismael Rivera. En esa casita está nuestra deuda con el Sonero Mayor

Comentarios a: igarcia@claridadpuertorico.comEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesita tener Javascript activado para poder verla

Nota: Además de las vivencias propias, este artículo se nutrió del trabajo de: Rafael Figueroa Hernández, titulado; Ismael Rivera: El Sonero Mayor, publicado por la Editorial del Instituto de Cultura Puertorriqueña en 1992, El Entierro de Cortijo de Edgardo Rodríguez Juliá por Ediciones Huracán en 1983, El libro de la Salsa de César M. Rondón publicado en 1980, videos en Youtube y por supuesto, los discos que acallarán las voces de los que intenten desmentir lo aquí declarado.


cortesia: Israel Sanchez-Coll

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El casino de Cuba


Cuarenta y ocho años después de cerradas las casas de juego en Cuba,
el Casino está más de moda que nunca

César Gómez Chacón • La Habana

¡¿Casino en Cuba?!

La mirada incrédula de Dimitri, recién llegado de Moscú, era la misma de Adam, el londinense, hace dos años, y la de Enzo, cuando llegó de Roma por primera vez hace más de una década.

Eran los años ’50…

y, en La Habana, se bailaba en los más aristocráticos “yacht clubs” y en los clubes de negros pobres; en las casas de familias de clase media, en las fiestas de las “quinceañeras” del barrio y en las sociedades fraternales. Todos los sábados. Todos los domingos. Y ¿por qué no? cualquier otro día de la semana. El Casino Deportivo de La Habana no era una excepción.

Eran los tiempos del mambo y del chachachá. Pérez Prado había inundado las victrolas de todos los bares de la ciudad, como antes había hecho en México, y la orquesta América había puesto a mover los pies a medio mundo.

Eran los tiempos de la Aragón, el conjunto Casino, Chappottín, la Riverside… los Jardines de la Tropical.

Eran los tiempos de Benny Moré, el más universal.

Eran también los tiempos de los boleros de Lucho Gatica y los susurros de Nat “King” Cole, para bailar un poco más pegados.

Y eran los tiempos del rock & roll que, en Cuba, era más de Bill Halley y sus Cometas que del “rey” Elvis Presley.

Los primeros “casineros”

No es raro que los jóvenes que bailaban en el Casino fueran buenos bailadores de rock & roll, con todos aquellos movimientos de brazos, aquellas vueltas y aquel constante unirse y separarse de la pareja. También, por supuesto, eran buenos bailadores de aquella música cubana tan popular.

Nunca se ha sabido quién empezó, quién lo hizo por primera vez. No es posible saberlo. Como en Fuenteovejuna, fue la gente, el grupo. Pero lo cierto es que, de pronto, un buen día, mientras se bailaba un son montuno o un chachachá o un mambo (¡¿quién sabe?!), aparecieron aquellos giros rocanroleros, aquellos brazos haciendo figuras en el aire. El exuberante movimiento de las caderas de las muchachas seguía como en cualquier otro momento anterior, como en cualquier otro salón de la ciudad. También el estilizado dibujo que describían los pies de los muchachos (que tanto se parece al baile flamenco y a la rumba callejera) seguía como si nada diferente estuviera ocurriendo. Pero la fusión resultaba verdaderamente explosiva.

Era un descubrimiento colectivo, y eso creó una atmósfera casi mágica en que la pareja (unidad básica de los bailes de salón populares cubanos) se disolvía constantemente en el grupo que descubría, inventaba, abría una puerta a un universo desconocido de creación y diversión.

Entonces comenzó a bailarse en ruedas. Un número indeterminado de parejas (¿cuatro, cinco, ocho?) formaban un círculo, y se lanzaban a improvisar la coreografía. Como en los salones elegantes de la Europa del siglo XIX, alguien nombraba los pasos, y todos armaban aquel hecho artístico irrepetible. Era también, de algún modo, una especie de competencia en que la imaginación y la destreza se ponían a prueba en cada nueva pieza.

Así se había comenzado a “bailar casino”. Y aquella rueda era ya, por supuesto, la “rueda de casino”.

El casino se “pega”

Apenas comenzados los años ’60, los clubes exclusivos fueron convertidos por el poder revolucionario en Círculos Sociales Obreros, y gente de todos los sectores comenzaron a ser sus usuarios.

Como una epidemia de alegría contagiosa, aquel baile se extendió en muy poco tiempo por toda la ciudad. El Círculo Social Patricio Lumumba y la sociedad Curros Enríquez del popular barrio de Santos Suárez, fueron sus plazas conquistadas de inmediato. Y luego Guanabo, Cojímar, Regla, Guanabacoa, Santiago de las Vegas.

Con los becarios que llegaron de otras ciudades del país viajó, en el regreso, a los más apartados rincones de la geografía nacional, y se hizo imposible de detener. Ya alrededor de 1964, el que no supiera “bailar casino” e integrarse en una “rueda” cualquiera, con gente conocida o desconocida, tendría que renunciar a bailar, que en Cuba es poco menos que renunciar a vivir.

Evergreen

Cuba es una isla que baila. Basta ver caminar a sus mujeres. No es necesario que haya música claramente audible. Un radio lejano podría servir para que los pies del más sordo de los cubanos se muevan involuntariamente. Puede incluso estar totalmente ausente la música. Existe la posibilidad de tararear, palmear o simplemente pensar en algún ritmo.

Pero, ya lo sabemos, en Cuba hay mucha música. Buena música. Mucha buena música para bailar. De modo que nadie puede sorprenderse de que una parte importante de la música popular que se ha bailado en el mundo desde los años ‘40, tenga su origen en la Isla. El son (base de todo el montaje que ahora se conoce como salsa), la guaracha, la rumba, la conga, el bolero, el danzón, el mambo y el chachachá son solo algunos de los muchos ritmos que Cuba ha aportado a sus bailadores y al mundo.

¿Cómo explicar entonces que, por más de 50 años, un baile permanezca tan nuevo como el primer día, como si el tiempo no pasara? ¿Cada región del país le ha aportado algo? Seguramente. ¿Cada nueva generación ha agregado, quitado, modificado, desechado y descubierto elementos? ¡Claro! Pero no es suficiente para explicar el modo en que los bailes internacionales de moda entran inmediatamente al país (ya hablamos del rock and roll, pero podíamos decir twist, calypso, merengue, surf, reggae, disco, hip hop, salsa, pasando por lambadas y macarenas, y el poderoso cerco del reggaetón), y todos, sin la menor excepción, en un tiempo prudencial se pierden en la memoria… y el baile de casino no solo no desaparece, sino que se enraíza, se afinca en su propia razón de existir, y se hace cada día más presente, más de moda. Evergreen.

Desde Italia a Venezuela

Las últimas dos décadas han visto crecer el baile de casino y la rueda hasta límites insospechados. Aquellos primeros “casineros” no podían siquiera imaginar que hoy (en julio de 2009) una rápida ojeada al famoso buscador Google de la red de redes, podría descubrir casi 700 000 referencias al baile de casino. Mucho menos que esas referencias estarían diseminadas por todos los continentes.

Parece que nadie quiere quedarse atrás. Mientras en Italia (donde primero llegó el casino en Europa) florecen algunos cientos de escuelas, competencias nacionales, festivales internacionales, encuentros teóricos y otros eventos, y en Venezuela bailar casino es tan común como escuchar un joropo llanero o una gaita zuliana… en Indonesia, se dice en perfecto español “dame dos”, “hombres al centro”, “afuera con palmadas” y en China las noches comienzan a llenarse de “ruedas”.

El “1830”, la nueva meca del casino

A Dimitri lo encontramos en el 1830, un hermoso salón a cielo abierto, justo en la desembocadura del río Almendares, apenas a 500 metros de lo que fue el Casino Deportivo de La Habana. El mar, como siempre, batiéndole las rocas que conforman su estructura norte. Cientos de habaneros jóvenes bailaban en parejas y en ruedas, junto con otros habaneros que permanecen siendo jóvenes a sus 60 y más. Sí, los mismos que descubrieron, inventaron, soñaron aquella vez. Unas cuantas decenas de gente que habían llegado de otros países, bailaban casino de modo sorprendente. Los que vinieron con Adam desde Londres, los que Enzo envió desde Roma y Turín. Todos mezclados. Todos bailando con todos. Otra vez parejas que se disolvían en el grupo… grupos que se desarmaban en múltiples parejas.

Así sucede todos los domingos, como entonces. Es el nuevo punto de encuentro, la nueva Meca. Juanito el Abuelo, líder indiscutible de los “viejos” (como dicen los jóvenes a los fundadores) habla, anima, presenta una pareja de la India, y una rueda con algunos cubanos y varios suizos. Moncada toca “La rueda de casino”, una pieza premonitoria compuesta en 1993, y es la locura.

Allí encontramos a Dimitri. Fue una noche muy especial para él. Se autodenominó embajador del casino en Rusia, como Adam y Enzo en Inglaterra e Italia, respectivamente. Él también entendió.

—¡¿Casino en Cuba?!

¡Sí! ¡Efectivamente! Pero hay una noticia mejor: en el Casino de Cuba nadie pierde.

La rueda de casino

(Grupo Moncada)

Si bailas en La Habana,

suavecito con la música cubana,

y las piernas se te enredan,

es que estás bailando en una rueda.

La rueda de casino

es un baile cadencioso y súper-fino.

No es exótico ni extraño.

Si lo aprendes, bailarías todo el año.

Baila mi rueda.

Baila.

Hagamos una rueda

que se forme desde Italia a Venezuela,

desde Nueva York a Chile,

enlazando corazones juveniles.

Desde Egipto hasta Japón,

vacilando con el mambo y con el son,

deja que este baile suba,

que te trae el sabor que tiene Cuba.

Baila mi rueda.

Baila.


cortesia: Israel Sanchez-Coll

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Etoile de Dakar

"VOL. 1 : ABSA GUEYE" (1979)




"Esta China"


y Directamente desde Senegal escuchemos a esta agrupación con este clasico llamado Esta China que hiciera popular Javier Vasquez en su album "La Verdad".

Lo curioso de la canción es la presencia como vocalista de la super estrella Yossour N'Dour, quien contaba apenas con 20 años.

espero que les guste ...

Etoile De Dakar was one of the most influential bands to come out of Senegal. Best known for its work with vocalist Yossour N'Dour, a member from 1975 to 1978, the group created a Latin-tinged style of African pop that influenced such western artists as Peter Gabriel, Paul Simon and David Byrne.

The roots of the Etoile De Dakar were planted in 1960 when Ibra Kasse, owner of the Miami Club in Dakar, assembled members of two bands -- Guinea Band De Dakar and Star Band De Senui -- and created a supergroup, known initially as The Star Band. Although it reached its apex with the arrival of N'Dour in 1975, The Star Band splintered three years later when several members left with N'Dour to form Etoile De Dakar. Relocating to Paris in 1983, the group changed its name to Super Etoile. ~ Craig Harris, All Music Guide



Colaborador

Guachi Guaro


Tracks

Dom Sou Nare Bakh
Thiely
Jalo
Absa Gueye
Tu Veras
Mane Kouma Khol Thi Yao
N' Guiro Na
Baye Wali
Esta China
El Hombre Misterioso Soy


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Friday, July 3, 2009

Chucho Valdés de gira por Canadá, Europa y Australia


La Habana.- El compositor y pianista cubano Jesús (Chucho) Valdés inició el miércoles una gira por varias ciudades canadienses, en compañía de su cuarteto y la cantante Mayra Caridad Valdés.

Un itinerario tenso de Toronto a Victoria, con apenas una tregua para respirar. Cinco días, desde el pasado 1 al 5 de julio con desplazamientos constantes y estancias de 24 horas en citas famosas como las de Montreal, Vancouver y Ottawa.

Luego viajará a Holanda para asistir el 12 de julio al North Sea Jazz y estar el 14, junto a su nueva banda, en el prestigioso Montreaux Jazz, en Suiza, donde ofrecerá una clase magistral, además de presidir el jurado del Concurso Internacional de Piano, uno de los más exigentes de su tipo.

Después marchará a Irlanda para debutar primero como solista y más tarde con su nuevo grupo en las ciudades de Cork y Dublín, inmortalizada por James Joyce, como parte del proyecto de colaboración Irlanda-Cuba, Una Corda.

Para Valdés, julio será un mes prolífico. Su recorrido continuará en Portugal, al llamado del Festival Músicas del Mundo, para pasar de inmediato a Francia, reclamado por el Enfants du Jazz y el de los Cinco continentes, en Barcelonette y Marsella, respectivamente.

En agosto lo esperan España y la cantante Concha Buika para una avanzada en la promoción del CD El último trago, que grabaron juntos. En la primera quincena de septiembre estará, al frente de su grupo, en el Blue Note de Tokio y el de Milán, y el 18 actuará por primera vez en el Festival de Brisbane, Australia.

Su agenda es abultada y los meses finales del 2009 serán de trabajo en el exterior con otra gira extensa de un costado a otro del Atlántico, de España a Sudamérica, secundado por Buika para brillar juntos en el escenario con El último trago.

Considerado por la crítica internacional uno de los cinco pianistas vivos de jazz más importantes del mundo, Valdés se definió a sí mismo una vez como un amante rendido del piano. Estoy casado con el piano, resumió.

Los escenarios son su hábitat natural. Cuando está en ellos, se olvida de todo y es solo un hilo tendido para que fluya, en todo su poderío, la música.

Fuente: Cubavisión Digital | 03 de Julio 2009


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Cecilia Noël

"A GOZAR !" (2009)




"Asi Se Compone Un Son"


COMPASS records

Si el año pasado la revelación femenina fue Yoko, la japonesa salsera, este año tenemos a la peruana Cecilia Noël. Este es a mi parecer su mejor album, en Total ha producido tres con su agrupación los Wild Clams.

Cecilia es peruana, nacida en Lima y desde hace varias decadas radica en USA. actualmente se encuentra viviendo en California.

El album cuenta con algunos covers, como por ejemplo el clasico de Ismael Miranda "Asi Se Compone Un Son" intrepretado de manera categorica por Cecilia, ademas acompañada por musicos de primer nivel.

La mezcla del album es excelente.

empecemos a conocer y A GOZAR con Cecilia y sus Wild Clams.

Los arreglos estan acago del trombonista Eric Jörgensen (Jazz on the Latin Side All Stars, Bob Desena)


Tracks

El Cumbanchero
Everybody´s Mambo
La Culebra / Cocinando Suave
La Cumbita
Asi Se Compone Un Son
Living on the Run
Candela
Tu Condena
Bolero de Salon
Carlitos Rey
Pronto Salsa
Everybody´s mambo


Integrantes

Cecilia Noël: vocales
Bernie Dresel: bateria
Jimmy Earl: bajo
Alan Deremo: bajo
Carlitos del Puerto: bajo
Toshi Yanagi: guitarra
Jeff Babko: teclados
Cheche Alara: teclados
Fred Kron: teclados
Lenny Castro: percusión
Handark Lozano: percusión
Braulio Barrera: percusión
Eric Jorgensen: trombón
Lee Thornburg: trompeta
Larry Williams: trompeta
Albert Wing: saxofon y flauta
Cleto Escobedo III: saxofon
Bill Esparza: saxofon
María Entraigues, Ijeoma Njaka, Charissa Nielsen, Gisa Vatcky, Jessica Pineda: coros

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Vamos a reir un poco


por: Jaime Torres Torres

De vez en cuando es necesario crear un balance escuchando canciones alegres.

Abundan las composiciones tristes, tal vez por las intrigas en las relaciones entre la pareja, que no pocas veces -por su complejidad- terminan bien.

En tiempos recientes no recuerdo otro momento en que resulte tan necesario escuchar otras temáticas por las emisoras del País.

No soy partidario del masoquismo. Si estoy desconsolado, ¿por qué echarle más leña al fuego escuchando a Víctor Manuelle o a Simone?

Eso lo comprobé caminando hace unos días cuando, utilizando el sistema aleatorio de mi ipod, salió la versión “Mil gracias” que Azuquita grabó con Los Jubilados de Cuba.

Es un tema sabroso, pero de una letra dura e irónica, sobre todo en la parte que versa: “ya no creo ni en mi mismo”. Rápidamente pensé en un reciente desengaño (los más dolorosos son los que vienen rubricados por una amistad). Y casi desconecto el aparato cuando inmediatamente después escuché los acordes de la marcha nupcial...

Pero grata fue la sorpresa cuando arrancó una guaracha y la recordada Gorda de Oro, Myrta Silva comenzó a interpretar “Mujer en luna llena”.

"Madre, la luna está llena/y yo me quiero casar/Pero me surge un dilema/sin poder solucionar/De tantos novios que tengo/con cuál me debo quedar/Si me caso con un carpintero/con su martillo me clavaría/y si me caso con un panadero/con la masa me asfixiaría...”

Confieso que la difunta Myrta Silva me arrancó las primeras carcajadas del día y me encendió el bombillo: dedicar este blog al humor, la jocosidad y la picardía como temáticas que han diversificado parte del repertorio de la salsa y de otras músicas populares.

La radio debe considerar la divulgación de estos temas porque gustan mucho. De lo contrario, Tite y Los Sureños y John Jairo no venderían tantos discos, aunque a veces se les va la mano.

“Mujer en luna llena”, obra de Ivette Marchand popularizada por la Gorda de Oro, aparece en la colección “Canciones que mi mamá no me enseñó” (Tico 1171) que incluye cortes como “Alcapurria”, “La cosita”, “María Bochaloca”, “Como duele eso, nene” y “Dr. Bugalón”.

Myrta Silva ha sido una de las intérpretes más pícaras y atrevidas de la música afrocaribeña, al igual que la cubana Graciela Grillo, recordada por “Ay, José”, “Si, si, no, no” y otras.

En la onda de la sátira religiosa, la bomba con seis “Pepe Juan”, del cd “Tierra, música y sentimiento” de Tito Valentín y Tito Gómez, alude al juicio final a que San Pedro expone a un ingenuo pecador tras su llegada al cielo.

“Para ir a una fiesta/un poquito de esto/para olvidar los problemas/un poquito de aquello/que divertido era todo/yo te lo juro San Pedro...”

Tu sentencia: “pa'l infierno vas directo”.

La bomba “Si Dios fuera negro” de Roberto Angleró, un experto en el manejo del humor y la ironía, es otro ejemplo.

Hay otras historias, como “El barbarazo” de Wilfrido Vargas (“y el queso que había en la mesa/también se lo comió/ese barbarazo acabó con to”) que fácilmente, aunque es un merengue, te pueden hacer reir.

El disco “Guasábara”, de José Lugo Orchestra, apela mucho al vacilón con “El muñeco”, “El plumero”, “El cangrejo” y “Si no vas a cocinar” (“¿pa' qué tú enciendes la candela?”)

Al ritmo de plena/songo/jazz, la historia de “El macanazo”, grabada por Hermán Olivera con Papo Vázquez en el cd “From The Badlands”, es igual de divertida porque enfoca la experiencia del músico que va con demora a un baile y un oficial de tránsito lo denuncia por exceso de velocidad, complicándose la situación cuando descubre que no tiene la licencia del vehículo.

En su disco “Cambio de sentido”, Cano Estremera, una de las voces más elocuentes del humor salsoso, presenta “Con ojos de dólar”, “Pobre diablo” y “Profesor de décimo grado”. Sus interpretaciones de “La boda de ella”, “El caimán”, “El gato”, “La gringa” y “La novia automática” son memorables.

En el nuevo cd de La Trópica escucharán “Dentro de poco tiempo”, un texto de Perín Vázquez en que el sonero Javi Marrero plantea:

“Dentro de poco tiempo/la cosa cómo será/La computadora será la gobernadora/me van a casar con una mujer clonada/y el amor te lo recetará un doctor...”

Y podríamos enumerar decenas más, como “El pío pío” de la Sonora con Luigi, “Pirata de la mar” de Bobby Valentín con Marvin Santiago, “Montserrate” de Héctor Lavoe, “El caballo pelotero” de El Gran Combo y “Siete pies bajo la tierra” de Ismael Rivera, la historia de un tipo que le ofrecen un trago de pitorro y en un tropezón la bebida le cae encima a un ratón que ve volar en cantos.

(“Siete pies bajo la tierra estuviera yo/si no llega al vacilón aquel ratón...”)

De Willie Colón no pueden faltar “El diablo” y “La mala situación” (“no tengo ni pa' comer/no puedo trabajar/pues ya vendí mi trombón”) y de Rubén Blades con Barretto “El presupuesto” (“un ladrón me dio un asalto y él mismo me tuvo que prestar”) y de su nuevo cd “Cantares del subdesarrollo” la crónica “El tartamudo”: (“Tú te lo pi-pi/tú te lo pi-pi/tú te lo pi-pierdes/por ser tan hija e pu-pu...”)

El humor no es una novedad en la música popular. Basta recordar el éxito “Jugando mamá jugando” de Rafael Hernández; las controversias de Ramito y La Calandria; composiciones de Baltazar Carrero, como “Los cupones”, e interpretaciones como “La vieja voladora” de Chuito el de Bayamón.

¿Cuáles recuerdas tú?

fuente: www.elnuevodia.com

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Thursday, July 2, 2009

Don Tosti

"PACHUCO BOOGIE"




"Pachuco Mambo"


Arhoolie Records

In 2002, Arhoolie Records released a CD entitled, "Pachuco Boogie," which features the pachuco music of Don Tosti, with his groups, the Pachuco Boogie Boys, the Don Tosti Trio, and Don Tosti y su conjunto. Some of Don's recordings included are: two versions of "Pachuco Boogie," "Guisa Gacha," "Wino-O-Boogie," and "El Tirili." The CD also has three classic pachuco recordings by my dad, Lalo Guerrero; "Los Chucos Suaves," "Chicas Patas Boogie," and "Muy Sabroso Blues." Other artists are also represented on the CD. You can order this CD at www.arhoolie.com. This CD, and hopefully others in the future, will help keep Don Tosti's musical legacy alive and available to future generations to enjoy.

Don Tosti's musical history is nothing short of amazing. He's part of the pre-rock & roll generation of musicians who played and composed music in two of the styles that evolved into rock & roll, namely, swing and rhythm and blues. He also excelled in Latin, classical, and jazz music. Born Edmundo Martinez Tostado in El Paso, Texas in 1923, he eventually had to change his name when he realized he was having trouble getting work because of its ethnicity. Don Tosti is what his teachers called him in school because they couldn't or wouldn't pronounce his name. Don, a courtesy title used before given names in Spanish, as in Don Juan or Don Diego, and Tosti, short for Tostado. Don spelled his name as it is in honor of a nineteenth century Italian composer.

Fuente: markguerrero.net

Tracks

Pachuco Boogie - Cuarteto Don Ramon Sr.
Guisa Gacha - Cuarteto Don Ramon Sr.
Wine-O-Boogie - Don Ramon Sr. y su orquesta
El Tirili by: Don Ramon Sr. y su orquesta
Pachuco Mambo - Los Chucos
Los Pachucos - Las Hermanas Mendoza
El Bracero Y La Pachuca - Dueto Taxco con Mariachi Caporales Del Norte
Solido Joaquin - Dacita & Her Orquesta
Frijole Boogie - Jorge Córdoba
Muy Sabroso Blues - Lalo Guerrero Y Sus Cinco Lobos
Los Chucos Suaves - Lalo Guerrero Y Sus Cinco Lobos
Chicas Patas Boogie - Lalo Guerrero Y Su Orquesta
Buena Vista Swing - Conjunto Alamo
El Pachuco Alegre - Los Hermanos Yanez y Pedro Ayala
Las Pachuquitas - Conjunto San Antonio Alegre
Mi Dolorcito - Conjunto San Antonio Alegre
Guisa Guaina - Don Tosti Y Su Trío
Pachuco Boogie - Orquesta Don Ramon (actually Don Tosti's Pachuco Boogie Boys)
Los Blues - Don Tosti y su Trío
Mambo Del Pachuco - Don Tosti y su conjunto
Chicano Boogie - Cuarteto De Ramon Martínez


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Tuesday, June 30, 2009

Descarga:::: Buscando Olvidar (Ft. France Velasquez)

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Alfred Gomez, Jr. Puerto La Cruz, VE



Latin / World / Afro-beat
Members: Written, Produced & Arranged by Alfred Gomez, Jr. - Associate Producer - Christopher Holder


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Mis estimados y nunca bien ponderados amigos,

Espero que todos estén pasándola bien, este mensaje es muy especial para mí porque se trata de música y cuando es música la razón pues estamos en comunión. Ustedes los que leen lo que envió y no se quedan viendo la foto! saben lo del tema buscando olvidar y todo el cuento de prensa, Hollywood etc...

La verdad es que me la he pasado bien haciendo las entrevistas, agradezco a mis bellas amigas Sofía y Katherine. U girls tottally rock! me pusieron hasta en el flyer de ferretotal (aquí hay un Jingle). A mi compadre J.C Olivares que reapareció! A los periodistas que me trataron con respeto y buena onda, a los pareceritos de Cali. A ellos y todos los que me han enviado mensajes, emails, llamadas, un sincero abrazote...

Dicho esto voy a lo que vinimos! + Musica

BUSCANDO OLVIDAR (FT. FRANCE VELASQUEZ)

Tremenda experiencia entrar a grabar nuevamente porque me reuní con mis panas de siempre a tocar y todo fue muy natural, cuatro musicazos, dos de ellos grabaron en el disco de la Reina Peinándose. Pablo "Chino" Agreda (Guitarra) llego a la casa su slide, maní japonés y nestea, nos sentamos a tocar! ahí se armo el tema... llamamos al compadre Reynaldo Goitia (Bajo) que estaba trabajando en su estudio le enviamos la fila vía mail... a las dos horas ya teníamos piano, guitarra y bajo... mientras rey grababa llamamos a Daniel Escauriza (Batería) otro pana de la infancia llego el Dani con sus baquetas que no las suelta nunca por cierto... el man grabo al pelo! lo fastidiamos pero grabo... A este punto ya teníamos la canción ahora quien canta esto! Reynado y el Chino me habían pasado unas maquetas de una chica que les pareció súper talentosa y de la cual van a escuchar muchísimo porque realimente es genial! su nombre France Velásquez (Voz), al día siguiente llego France al estudio a grabar... la sesión estuvo pero de carambola... ahora me toca a mi decirles disfruten.

-Alfred Gomez, Jr.
http://www.reverbnation.com/alfredgomezjr


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MUSIC



MERCHANDISE


Press Clippings for Alfred Gomez, Jr.
"The sound ventures beyond the boundaries of conventional salsa to include boogaloo influences , pop and other modern touches. This is world-savvy material that can swing, too. Highly Recommended" - Editor's Pick, Descarga.com
"Su trabajo artístico sintetiza y refleja la premisa, sangre joven para un ideal sin tiempo: la buena música popular urbana. Prolongando la tradición, sin perder de vista los referentes ineludibles, un discurso musical acorde con su tiempo de vida social y cultural." - Roberto Lujan, Sociologo Colombiano, Articulista y Realizador Radial
"Los temas de Alfred Gómez, son un enfoque actualizado de la cotidianidad urbana y los afectos, en vueltos en una rítmica y concepto armónico que refrescan la contemporaneidad de nuestra música afro latina" - Chelique Sarabia, Compositor
"La música de Alfred me flecho desde el primer momento en que la escuche y supe que la Salsa nunca estaba muriendo y por el contrario, esta mas fuerte que nunca por musicos serios, talentosos y geniales como Alfred" - DJ Chino Felipe Valero, World Talent Representativ - Solar Latin Club
"Alfred, es un gran chef musical, su propuesta es dulce y calida a la vez, mucha frescura y sabor, aflorando un cúmulo de influencias interesantes, que da como sencillo resultado algo que llamo: Música pa´los pies y la cabeza" - Luis Fernando Borjas, Cantante "Guaco"
"Las Canciones de Alfred Gómez Jr., suenan frescas en cada uno de sus componentes, Letra, música, instrumentación y arreglos, inscribiéndose con nombre propio en la vanguardia de la música latina" - Alvaro Paiva Bimbo, Productor - Musico (Cabijazz)
"Letra, Música y arreglos, tremendo sabor y todo el ashe tienen las canciones de Alfred Gómez Jr. Me encanta todo lo que escuche en este disco" - Gino Castillo, Productor - Percusionista
"Uno de los discos que más me ha impresionado en el género en los últimos años; el puente que une la música bailable de Van Van con las canción de autor Cubana" - Julio Fowler, Cantautor
"Alfred me dio esperanza en el futuro de la salsa, el es un compositor con la madurez de un viejo pero su voz de joven lo delata, sus ideas son claras, sencillas y a la vez profundas" - Gerardo Rosales, Productor - Percusionista


Physical inquires can be sent to: El Morro, Urb. Las Villas, Casa Nro. 423, Puerto La Cruz, VE

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Cesar Concepción

"SALSA Y BOLEROS"




"Yabucoa"


VELVET records

César Concepción

Trompetista, Arreglista, Compositor y Director de Orquesta

Nombre completo : Cayetano César Concepción Martínez

Fecha de nacimiento : 28 de julio de 1909

Lugar: barrio Vieques, Cayey, Puerto Rico

Falleció el 11 de marzo de 1974 en Río Piedras, Puerto Rico


En la historia de la música popular de Puerto Rico, César Concepción tiene reservado un sitial privilegiado . Se le recordaría como un virtuoso trompetista; un melodista de fina sensibilidad que legó no menos de un centenar de bellos boleros a nuestro pentagrama romántico y elevó la plena a la categoría “de salón” introduciéndola en los salones más fachendosos, y como fundador y líder de una de las orquestas más sensacionales surgidas en nuestro país durante el Siglo 20 .

Este músico irrepetible era hijo del sanlorenceño Tomás Concepción y la guayanesa Margarita Martínez, ambos de origen muy humilde que, con grandes esfuerzos, lograron establecer un colmadito . Tuvo siete hermanos y, al igual que éstos, cursó sus grados académicos elementales en la Escuela Luis Muñoz Rivera y, a partir del octavo, en la Escuela Benigno Carrión, en Cayey. A la edad de nueve años inició el aprendizaje de la trompeta bajo la tutela del profesor comerieño Claudio Torres, quien luego lo incorporó a la Banda Municipal que dirigía . A los 13, se unió a un conjunto que amenizaba las tandas de películas mudas del Teatro San Rafael, propiedad de don Emilio Martínez, en su pueblo.

Ya, a los 14 años, César Concepción era considerado un músico tan competente que su popularidad trascendía las fronteras de su región natal. Al punto de que, en 1925, el destacado pianista Augusto Rodríguez Amador fue a buscarlo para ofrecerle una posición en la orquesta que estaba organizando en San Juan: The Midnight Serenaders. Para aquella fecha nuestro biografiado aún no había cumplido 16. Con aquella organización emprendió formalmente su carrera profesional. Siete años después ( 1932 ), la misma se desintegró . Entonces se sumó a la plantilla de Ralph Sánchez & His Symphonians, en cuyas filas permaneció hasta 1935, año en que decidió marcharse a Nueva York, pues además de que el movimiento artístico hispano de esta metrópoli atravesaba un período de gran efervescencia – se habían multiplicado los salones de baile en que imperaba la rumba y las grandes disqueras estaban sedientas de música latinoamericana –, allá podría pulirse en la ejecución de su instrumento con algún especialista en la materia.

Para su suerte, tras llegar a la Gran Urbe no demoró en encontrar acomodo en la orquesta del pianista venezolano Eddie LeBaron que, a la sazón, era la de planta del lujoso cabaret The Rainbow Room. Y, tal y como esperaba, casi de inmediato tuvo oportunidad de estrenarse como sesionista . Con LeBaron, por ejemplo, grabó piezas como la exitosa “Por Corrientes va una conga” (de Ernesto Lecuona) bajo la etiqueta Decca y, con la dirigida por el cubano Eliseo Grenet, buen número de composiciones de éste, varias de las cuales recibieron intensa difusión. Sobre todo, “Las rumbas cubanas” (Columbia, 1936). En la mayoría de esos registros sobresale el sonido ancho y brillante de su trompeta.

Su vinculación a la orquesta de Eddie LeBaron se extendió hasta 1940, cuando aquel emprendedor músico se trasladó a Los Ángeles, donde algún tiempo después fundaría el majestuoso cabaret Trocadero's Club, que llegó a ser considerado entre los más famosos del mundo . Sin embargo – en el ínterin –, luego de que esta organización concluyera su contrato en The Rainbow Room (1937), también colaboró en grabaciones y, en algunos casos, en presentaciones personales, con las orquestas de Xavier Cugat, Enrique Madriguera, Don Maya, Carlos Molina, José Morand y Nano Rodrigo. A partir en 1940 grabó con las distintas formaciones de Pedro Flores.

César Concepción regresó a Puerto Rico en 1942, contratado para integrar la orquesta de planta del cabaret Jack's Club, en Santurce, dirigida por el saxofonista y clarinetista Armando Castro «Fajardito». Su pasantía por esta agrupación, que se identificaba como Armando Castro & His Jazz Band, se extendió hasta 1945 . Durante ese período, aportó varias piezas al repertorio de la orquesta, sobresaliendo entre ellas un calypso – escrito en colaboración con Castro –, que alcanzaría categoría de clásico : “Jack, Jack, Jack / Cutúguru”. Es obligatorio resaltar el dato de que este tema, vocalizado por Juan Ramón Torres «El Boy», pasó a la historia como la primera canción, original de boricuas y grabada por una agrupación netamente puertorriqueña, que logró colocarse en el Hit Parade norteamericano (1945).

Luego de año y medio formando parte de la oficial del Escambrón Beach Club, dirigida por Rafael Duchesne, este ilustre cayeyano se dispuso a formar su propia orquesta, apoyado por el empresario arecibeño Jorge «El Nene» Correa. Éste lo estimuló a organizarla para que fuera la oficial del lujoso New Yorker Club, que se disponía a inaugurar en los predios que antes ocupara el Hotel Bellevue, junto a la Laguna del Condado, en Santurce. La muy promocionada apertura de aquel recinto y el debut de la naciente orquesta de César Concepción alternando con la del ya consagrado pianista Noro Morales – que, dicho sea de paso, se presentaba por primera vez en Puerto Rico –, aconteció el 14 de junio de 1947. Aquella histórica noche integraban su plantilla : Juan Ramón Torres «El Boy» ( cantante ); Luisito Benjamín ( pianista ); Tony Di Ricci y Berto Torres ( segunda y tercera trompetas, respectivamente ); Ángel Rafael «Lito» Peña ( primer saxofón alto ); José «Acevedito» Torres ( segundo saxofón alto ); Rubén Rivera ( saxofón tenor ); Juan Antonio Bajandas ( contrabajista ); José «Pepo» Talavera ( timbalero ); Jesús Cruz ( conguero ) y Francisco «Pacotón» Torres ( bongosero ). El magno evento fue transmitido a través de WAPA Radio por el muy destacado locutor Mariano Artau.

Resulta menester resaltar el hecho de que, verdaderamente, la popularidad de la orquesta de César Concepción se cimentó a través de sus participaciones diarias en el programa “La ruleta musical”, que Artau mantenía en la referida emisora . También, que poco tiempo después de su debut , «El Boy» cedió su posición al talentosísimo Joe Valle, quien sería el vocalista que más identificaría a la banda ante el público . Fue con éste que se grabarían los boleros consagratorios de César, así como la tanda de plenas “de salón” dedicadas a numerosos municipios . Es importante recalcar que, hasta entonces, este ritmo tan boricua no sea había adaptado a una orquesta grande, impartiéndole un matiz más refinado que le permitiera invadir los escenarios más aristocráticos y los centros frecuentados por la alta sociedad . De acuerdo con el criterio de muchos musicólogos, aunque en cierta medida expuso una plena desnaturalizada, carente del sabor callejero que la caracteriza en su condición folklórica, tal constituye la aportación más significativa de César Concepción a la música popular nacional.

Exactamente el martes 31 de marzo de 1954, apenas dos días después de la inauguración de Telemundo / Canal 2, la ya famosa orquesta volvió a hacer historia, convirtiéndose en la primera en ser contratada para actuar de manera permanente en la naciente pantalla chica boricua . Específicamente, en el programa “Coca-Cola busca estrellas”, también animado por Maria no Artau y que iba al aire a las 8 : 00 de la noche . Posteriormente ( 1963 - 1966 ), fue la oficial de “El show del mediodía”, producido por Tommy Muñiz. en WAPA TV / Canal 4.

En esta etapa, Concepción mantuvo su orquesta, con carácter permanente o “de planta”, en el Caribe Hilton ( 1950 - 1952 ) y en el Hotel Flamboyán durante el período 1958 - 1968, habiendo acompañado a todas las estrellas internacionales que desfilaron por aquel escenario.

En 1968 , César Concepción desintegró su famosa banda y se radicó con su familia en Nueva York . Permaneció retirado del ambiente musical hasta 1972, cuando retornó a su patria y organizó una nueva orquesta junto a su viejo compañero y amigo Joe Valle.

El maestro César Concepción falleció en Río Piedras, el 11 de marzo de 1974, a consecuencia de un infarto cardíaco sufrido pocos días antes . Para entonces, planificaba legalizar su unión con quien había sido su segunda esposa, Elvira Peña, pues nunca dejó de vivir con ella, aunque se habían divorciado par de años antes.

En 1983, nueve años después de su deceso, el abogado, político y, hasta entonces, pianista aficionado , Nicolás Nogueras Cartagena, convocó a un grupo de músicos que habían integrado su orquesta en diversas etapas . Con ellos y otros más jóvenes estbaleció una recreación de la banda original, a la que bautizó como Orquesta César Concepción. Y, justamente el 14 de junio de aquel año – cuando se cumplían 36 del debut de la organizada por su fundador en el New Yorker Club –, comenzó a amenizar los nostálgicos T - Danzantes dominicales del Hotel Caribe Hilton . Allí permanecería hasta 1997 . Luego actuaría en otros escenarios y hasta presentaría un espectáculo en el Centro de Bellas Artes de San Juan junto a la vedette Iris Chacón, en 2003 . A lo largo de estos años, han sido sus vocalistas, en distinto momentos , Freddy Gutiérrez, Efrén Santiago, Edward Santiago, Aníbal Hernández, Dilores Escalera y, ocasionalmente , Tato Díaz, la famosa segunda voz del Cuarteto Los Hispanos.





Tracks

Tu Gran Amor
Colorete
Primera Cita
Cuando Cuba Cantaba
Amanecio
la Vida
Te Guardo en mi Corazón
Yabucoa
Domitilo
Olvidate


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